Kali Fotografía

Cuidado, pésimo vendedor en Ebay

2009-02-12T01:17:00.005+01:00

Este post es para advertiros acerca del vendedor apodado "snappyone", que vende artículos de fotografía usados en su tienda de Ebay.

Recientemente le compré un objetivo de montura M42, el Helios 44 58mm f2. No hubo problemas con el envío en sí, pero cuando llegó la lente me encontré con que no tenía tapas, ni delantera ni trasera. La descripción de la lente sólo decía, textualmente:

58mm Helios 44 Lens

Made in USSR, a Helios 44 Auto Diaphram 58mm F2 Standard Lens to fit Pentax Screw / M42 Thread cameras. All Working and in Good Condition.

(Fabricado en USSR, una lente normal Helios 44 Auto Diafragma F2 para cámaras de montura Pentax / Rosca M42. Todo funcionando y en buen estado).

Cualquier fotógrafo estará de acuerdo conmigo en que al comprar una lente (incluso usada) se espera que incluya las correspondientes tapas, y si no, debería estar claramente especificado que faltan. Las tapas son esenciales para proteger la lente, no son un accesorio opcional. De modo que al encontrarme con que no venían, puntué al vendedor con la opción "neutral" en lugar de "positivo", y para mi sorpresa recibí el siguiente mensaje:

I am extremly annoyed that you have left me a neutral feedback for this lens, it was not advertised with any lens caps,and I have supplied the item as listed,its people like you who are going to ruin ebay,you fail to read the listings properly, and instead of talking to the seller, you just steam in and ruin their feedback ratings, safe in the knowledge that I cannot leave you a bad feedback, I have banned you from buying any further items from me.

(Estoy extremadamente enfadado porque me hayas dado una puntuación neutral para esta lente, no estaba anunciada con ninguna tapa, y yo he enviado el artículo tal como estaba anunciado, es la gente como tú la que va a arruinar ebay, no leeis adecuadamente los anuncios y en lugar de hablar con el vendedor, simplemente vais y arruinais sus puntuaciones de reputación, seguros en el conocimiento de que no puedo dejaros una mala puntuación, te he baneado de comprar ningún otro artículo mío).

Para colmo me encuentro con que su inmadurez llega al punto de calificarme como comprador de Ebay en el foro de puntuaciones, en los siguientes términos: Bad Ebayer, ADVOID,Left Neutral feedback unnecessarily (Mal cliente de Ebay, EVITAR, dejó puntuación neutral innecesariamente) para que otros vendedores de Ebay no acepten mis compras.

Desde luego, si el artículo está claramente incompleto y esto no se había especificado, estoy en mi derecho de puntuar como "neutra" o incluso "negativa" la transacción, y cualquier vendedor inteligente reconocería mis motivos y lo tendría en cuenta para un futuro.

Puesto que no tengo nada de qué avergonzarme, publico mi respuesta a este "vendedor":

Any lens, used or not, has to have caps included, and if not it must be clearly said, which you didn't. I'm a professional photographer and it's the first time this happened to me, any other sellers are clear about the items' condition details. So I didn't need to tell you anything before feedback. Next time, get the caps before selling a lens as any serious seller would do, and if not SAY IT or don't get surprised about what people says of you. I now regret not giving you negative feedback instead of just neutral, given your immaturity. Not only I wouldn't buy from you again, now I'll be spreading the word among all professional photographers I can so you loose all possible sales.

(Cualquier lente, usada o no, tiene que tener tapas incluidas, y si no debe ser claramente dicho, cosa que no hiciste. Soy fotógrafo profesional y es la primera vez que me pasa esto, otros vendedores son claros acerca de los detalles del estado de los artículos. Así que no necesitaba decirte nada antes de puntuar. La próxima vez, consigue las tapas antes de vender una lente como cualquier vendedor serio haría, y si no DILO o no te sorprendas de lo que la gente comente de tí. Ahora lamento no haberte dado puntuación negativa en vez de neutral, dada tu inmadurez. No sólo no compraría nada de tí en un futuro, ahora difundiré el caso entre todos los fotógrafos profesionales que pueda para que pierdas todas las ventas posibles).

Visto lo visto, os recomiendo no comprar nada que venga de esta persona, no sea que terminéis con una reputación negativa como compradores si os atrevéis a comentar públicamente su falta de profesionalidad.

Las artimañas detrás de "Reality Sin Show"

2009-01-13T20:20:00.004+01:00

Hace pocos días recibí el siguiente e-mail invitándome a participar en una iniciativa denominada "Reality Sin Show":

Hola,

Desde Ayuda en Acción nos ponemos en contacto contigo para contarte un nuevo proyecto que hemos puesto en marcha: Reality Sin Show. Un nuevo concepto de Reality en el que los participantes deberán sacar lo mejor de si mismos para ayudar a los que más lo necesitan.

Quien quiera puede apuntarse al casting. Aquí se evaluará la capacidad artística y la sensibilidad de los participantes en una obra que tendrá que reflejar una idea que tengan para mejorar el mundo. De entre todos los candidatos, se elegirán los 3 protagonistas de Reality Sin Show, quienes viajarán a San Juan de Lurigancho, el distrito más poblado y marginal de Lima (Perú) . Su misión allí será ver de primera mano los problemas de la zona y recopilar material audiovisual que expondrán a su vuelta. De ellos dependerá que toda España conozca y se sensibilice con la situación de los jóvenes de este barrio.

Hemos pensado que Reality Sin Show podía interesarte porque no es una iniciativa solidaria más, está orientada desde el punto de vista artístico y creativo. Nos gustaría contar con tu apoyo para darlo a conocer y encontrar a nuestros protagonistas. Ahora tú decides. Si quieres compartir con nosotros esta aventura, apúntate al casting.

Toda la información que necesites la encontrarás en www.realitysinshow.com, donde los chicos de Muchachada Nui (Joaquín Reyes y Flipi) ejercen de presentadores de este Reality Sin Show.
Muchas gracias por dedicarnos tu tiempo.

Un saludo

Lo que podría parecer en principio una buena idea, colaborar con un proyecto solidario aportando nuestra creatividad artística, no es más que una artimaña con la que pretenden obtener material escrito o audiovisual del que aprovecharse mientras cargan con la responsabilidad a quienes participen.

Una lectura atenta a las bases legales resulta muy reveladora:

Los participantes, finalistas y ganadores en la presente iniciativa responden ante Ayuda en Acción, TriNa y M80 Radio de la autoría y originalidad de los trabajos y/o reportajes, asumiendo la total responsabilidad, y dejando indemne a Ayuda en Acción, TriNa y M80 Radio frente a cualquier reclamación que, en este sentido, pudieran efectuar terceras personas, incluso las derivadas de un incumplimiento de la legislación sobre honor, intimidad, injurias y calumnias, derecho de imagen o de expresiones que pudiesen ser consideradas difamatorias u obscenas. Aquellos trabajos y/o reportajes que incluyan imágenes y/o voces de menores de edad deberán contar con la autorización previa y por escrito de los progenitores o tutores legales del menor; en igual sentido, los que cuenten con imágenes y/o voces de terceros deberán contar con la autorización previa y por escrito de los mismos.
Los participantes ceden, en exclusiva, tanto a Ayuda en Acción, como a TriNa y M80 Radio, todos los derechos de explotación, entre ellos, los derechos de reproducción, distribución, comunicación pública, puesta a disposición, transformación y cualesquiera otros derechos necesarios para la comercialización total o parcial de los trabajos y/o reportajes y para que éstos puedan incluirlos en sus emisiones, páginas Web y demás soportes de comunicación de que dispongan para, entre otros, el fomento de la participación y la promoción de los trabajos y/o reportajes en cualquier soporte, para todo el mundo y por el periodo máximo que permita la legislación. En cualquier caso la transformación se realizará respetando los derechos morales del autor.

Es decir, los participantes son responsables legales ante cualquier reclamación de terceros por asuntos como los derechos de imagen, y encima deben cederle los derechos de explotación de sus obras no sólo a Ayuda en Acción sino también a los patrocinadores.

Todo esto resulta bastante irregular si pensamos que precisamente la temática del concurso es reflejar la realidad social de un barrio marginal centrándose en los jóvenes. En el caso de fotógrafos y/o vidéografos, supone la necesidad de obtener la firma de los padres de todos los jóvenes menores de edad que aparezcan de modo reconocible, algo que está claro que en la práctica es muy difícil de conseguir y que, por tanto, nos dejaría expuestos a potenciales demandas judiciales.

Y aún suponiendo que consiguiéramos todas las firmas para esos derechos de imagen, todo ese trabajo se lo estaremos regalando a varias entidades, no sólo la ONG organizadora, también a dos entidades comerciales. Conservar la autoría moral no es un gran consuelo cuando no podamos publicar nuestro reportaje ni siquiera en nuestra propia web personal.

Desde luego yo colaboraría en cualquier iniciativa seria que realmente pretendiese ayudar a alguien, sin preocuparme por el lucro. Pero como persona dedicada a la fotografía tengo una visión que aportar, y si considero que puedo elaborar con mi material un reportaje fotográfico que pueda concienciar sobre la realidad que observo y difundirlo en la forma de exposiciones, un libro, prensa, etc, debo tener el derecho moral de hacerlo, ya que habría sido yo quien se jugase el tipo y sudase para hacer las fotos.

En este caso no pienso caer en el engaño que supone ir a un viaje cuyo planteamiento es como un paquete turístico con rutas y horarios fijos (¿qué clase de libertad creativa íbamos a tener aquí?) y que supone currarse todo un reportaje para que luego, en la práctica, no puedas disponer de tu propio trabajo.

Si quieren ser solidarios de verdad con alguien, cosa que dudo ya que estas iniciativas nunca promueven reflexiones profundas ni cambios sociales realmente efectivos, que empiecen por cuidar la seriedad de sus iniciativas y no pretender aprovecharse del esfuerzo de los demás para alimentar su propio circo mediático "solidario".

Tened cuidado con este tipo de proyectos, por muy altruistas que parezcan. Si queréis ayudar realmente a vuestros semejantes no necesitáis más que vuestros ojos y una cámara para mover al cambio en el mundo.

Cómo definir una sesión con un cliente

2008-11-27T21:37:00.002+01:00

Algo que aconsejo a quienes queréis empezar a realizar sesiones de retrato (book, estudio, retratos a domicilio...) es intentar, siempre que sea posible, quedar con anterioridad para una entrevista previa con el cliente.

En ésta entrevista definimos la sesión en todos sus aspectos, tanto estéticos como técnicos. El cliente podrá explicarnos qué tipo de fotos desea, le informaremos de las posibilidades estéticas (uso de blanco y negro, procesados alternativos, estilos compositivos) que podemos aportar a su idea, y le podremos presentar también otras sugerencias que se adapten a lo que busca.

En este aspecto es importante ir con los deberes hechos. Cuando ya hemos hablado con el cliente es buena idea repasar nuestro archivo fotográfico y mirar fotografías de otros autores que se adapten al tipo de fotos que vamos a hacer, no para copiarlas, sino para que nos hagan ver nuevas posibilidades a adaptar con nuestro estilo.

Por supuesto, es vital tomar nota de todas las nuevas ideas que se nos ocurran y conservar un buen archivo con estas anotaciones. La creatividad se alimenta en buena parte de las asociaciones mentales, tanto buscadas como espontáneas, y el simple hecho de tener un archivo de ideas puede favorecer que se nos ocurran cosas nuevas.

Todo esto es de gran ayuda para mantener un nivel constante de calidad y creatividad, ya que no todos los días estamos igual de inspirados pero siempre necesitaremos ofrecer trabajos perfectos a nustros clientes.

Asimismo, detallamos la memoria de calidades, es decir, cómo le vamos a entregar las fotos, resumen del proceso empleado, tamaños de ampliación máximos, cualquier detalle relevante que muestre qué le estamos ofreciendo por el precio acordado. Suele ser buena idea llevar algunas imágenes ampliadas en papel, por ejemplo a 20x30cm, de entre las mejores de nuestro portfolio para mostrar al cliente la apariencia que tendrán sus fotos.

Haciendo una entrevista completa antes, o concretando las ideas por e-mail, conseguimos ir a la sesión con las ideas mucho más claras. Combinando este esquema mental con la apertura a ideas improvisadas que surjan durante la sesión, conseguiremos trabajos muy completos para nuestros clientes y nuestro estilo ganará en calidad visual y frescura.

Creciendo como profesional

2008-11-26T01:06:00.003+01:00

En los comienzos de una carrera profesional como fotógrafo suele ser tan importante saber hacer buenas fotos como buscar oportunidades de ampliar nuestra experiencia en distintos campos dentro del amplio mundo de la fotografía.

La flexibilidad es un valor importante a considerar. Se puede ser un gran fotógrafo trabajando con un estilo muy definido, pero a menudo tendrá más éxito una persona dispuesta a arriesgar, a abarcar varios estilos visuales, experimentar, y adaptar su fotografía lo máximo posible a lo que quiere el cliente. No importa si lo que nos piden nos parece más acertado estéticamente o no, si alguien nos pide, por ejemplo, un retoque a lo Warhol, hagamos las mejores fotos a lo Warhol que podamos.

Ésto por ejemplo es lo que estoy haciendo yo al comenzar a hacer sesiones de retrato para clientes. He adoptado un enfoque que se basa en darle al cliente lo que pide a la vez que proponerle nuevas ideas ajustadas a la línea creativa que quiere. Así las sesiones son satisfactorias para todos y se evita caer en la desgana o la rutina que pueden aparecer cuando ya llevemos muchas sesiones hechas, ya que cada trabajo será algo único en lo que volcaremos toda nuestra creatividad.

También es buena idea buscar proyectos en los que colaborar, sean exposiciones colectivas o colaboraciones relacionadas con el mundo de la fotografía. Supone la oportunidad de desarrollar otro tipo de habilidades y muestra que eres una persona que se implica, apasionada de verdad con su profesión.

Hay muchas posibilidades, desde colaborar en algún blog especializado o escribir tutoriales, a organizar un proyecto común con otros artistas, si conservas fresca tu ilusión por la fotografía y mantienes los ojos abiertos, enseguida encontrarás algo que se ajuste a tus habilidades.

En mi caso esto ha supuesto colaborar en la realización de un sistema de galerías web para fotógrafos. Estoy asesorando en todo lo que tiene que ver con diseño, características necesarias, y cómo hacer la página más usable y completa para un profesional de la fotografía.

Pronto podré mostraros un ejemplo real, ya que estoy empezando las pruebas de la versión beta del programa y voy a emplearlo para rediseñar mi página.

Me gustaría aprovechar esta entrada para pediros vuestras opiniones sobre el proyecto. ¿Cómo sería vuestro sistema de galerías ideal? ¿Qué le pedís a una aplicación de este tipo? ¿Qué características son más importantes para vosotros?

Vuestros comentarios me serán de gran ayuda para detallar mucho mejor todas las características que debe tener el programa y que sea más útil para el día a día real de profesionales con necesidades muy variadas.

Conversión a B/N para fotografía de conciertos

2008-10-14T20:12:00.003+02:00

Las fotos de conciertos en B/N analógico tenían (y tienen, si seguimos usando película alguna vez) una estética especial que no es sencillo imitar al convertir imágenes digitales. Por lo general la película fotográfica puede captar aproximadamente 8 diafragmas de la luz que hay en una escena, dejando como blancos quemados o negros empastados aquellas zonas que no caen dentro del rango que puede captar de acuerdo a nuestra medición. Sin embargo, dependiendo de factores como el ISO utilizado o el tiempo de revelado, este rango dinámico puede ampliarse o reducirse.

En las fotografías de conciertos hechas en negativo B/N tenemos como característica principal un alto contraste debido a emplear una película de ISO alto o un ISO medio (400) forzado mediante indicarle a la cámara un ISO mayor y posteriormente aumentar el tiempo de revelado, lo cual a su vez contribuye a aumentar aún más tanto el contraste como el grano.

En digital, dependiendo de cada sensor y del ISO empleado (cuanto más alto, menor rango) podremos llegar a obtener una respuesta entre 5 y 8 diafragmas si disparamos en formato RAW, que, al ser archivos de mayor profundidad en bits que un JPEG y con la conversión hecha por nosotros en el ordenador y no por la cámara (que al disparar en JPEG siempre hace una conversión rápida de lo capturado por el sensor), define cada nivel de la escala de luminosidad con un mayor número de tonos. Por eso mismo, disparar en RAW y procesar la imagen resultante en modo de 16 bits nos facilitará poder ajustar curvas y otras cosas sin “romper” los tonos, y eso para el B/N es bastante importante, por lo que os recomiendo hacerlo siempre así.

Cuando disparemos en digital muchas veces querremos convertir a blanco y negro nuestras fotos, y sería interesante buscar una estética próxima a la que nos hubiera dado disparar en carrete. Para ello prestaremos atención no sólo a la conversión en sí, sino a detalles como dejar el contraste adecuado, el tono de la fotografía y el grano lo más fiel posible al acabado analógico. Puesto que cada marca de película tiene sus propias características tonales y un grano único, en digital será difícil imitarlo con exactitud, pero podremos llegar a un resultado aproximado.

Supongamos que tenemos ésta foto y queremos convertirla a blanco y negro:

A la hora de elegir un método de conversión tenemos muchas posibilidades, tendremos en cuenta que por lo general las fotos de muy alto contraste se ven favorecidas por métodos basados en la luminancia (Rob Carr, máscara de luminancia invertida...), y las fotos de medio contraste o con unos pocos colores muy saturados responden bien a los métodos basados en el color (mezclador de canales).

Vamos a convertir la misma foto con más de un método para que veáis los posibles resultados de cada uno. Empezaremos por el famoso método Rob Carr:

Si la imagen no está en 16 bits, la convertimos primero (Imagen > Modo > 16 bits) y ahora la pasamos al modo lab: Imagen > Modo > Color lab.

En la paleta de canales buscamos el canal “luminosidad”, le quitamos el icono del ojo al resto para desactivarlos, y hacemos: Imagen > Modo > Escala de grises. Nos preguntará si descartar la información de color, le decimos que sí.

Hacemos ctrl+click en el canal gris, con lo que nos carga el canal como selección. Ahora invertiremos esa selección con Seleccionar > Invertir, o mediante el atajo Shift+Ctrl+I.
Volvemos a modo RGB, cuidando de mantener la selección activa: Imagen > Modo > RGB.
Ahora vamos a Capa > Nueva capa de relleno > Color sólido, y le meteremos un color muy oscuro, cercano al negro o al marrón muy oscuro. También podemos jugar con otros tonos para crear virados a sepia, al cobre, etc. En este caso he optado por un tono casi negro, el RGB= 8,7,7. Hecha la capa, ajustaremos su opacidad según le vaya bien a la foto. Se suele recomendar un valor en torno a 50%, yo he usado un 8% para que no se oscureciera demasiado.
Ajustamos las curvas mediante Capa > Nueva capa de ajuste > Curvas. Si previamente hacemos una selección basada en máscara rápida (Q) y pintada con pinceles suaves (negro donde no queremos efecto, blanco donde se aplicará), podremos usarla para crear dos capas de ajuste de curvas y tratar las luces por zonas. En este caso he usado una sola capa porque sólo le hacía falta un pequeño toque para aclararla un poco.
Duplicamos la primera capa, la de fondo, y le aplicamos el enfoque. Para evitar generar ruido vamos a usar el método de paso alto: Filtros > Otro > Paso alto. Pondremos un radio de 10 o menor, según lo necesite la imagen. Ahora pasaremos el modo de fusión de la capa (en la parte superior de la ventana de capas hay un desplegable) a “Luz dura”. Lo último será bajarle la opacidad hasta tener el efecto de enfoque deseado.
Para el grano usaremos éste método: crear una nueva capa, la rellenaremos (Edición > Rellenar) de un gris medio (RGB= 128, 128, 128) y nos vamos a Filtros > Ruido > Añadir ruido, con valores entre 12-25. A mayor contraste en la foto, añadiremos más grano para que sea fiel al efecto que hubiera hecho la película en las mismas condiciones. Pasamos el modo de fusión a “Superponer” y ajustamos la opacidad. Resultado:

Con esta misma foto vamos a probar un método más. Es una variante del Rob Carr que se llama método de la máscara de luminancia invertida, y consiste en lo siguiente:

Haremos los siguientes pasos que ya hemos visto: pasar a modo lab, seleccionar canal luminosidad, pasar a escala de grises, cargar la selección del canal gris, invertirla y volver a modo RGB.
Ahora crearemos una capa nueva sin nada y la pondremos en modo de fusión “Multiplicar”. Creamos una máscara en ella con el botón “Añadir máscara de capa” que tenemos en la parte de abajo de la paleta de capas. Eso nos carga la selección en la capa.
Ahora clicamos en la miniatura de la capa para seleccionarla, y nos vamos a Edición > Rellenar, poniéndole un gris al 50% (RGB= 128,128,128 ). También podemos poner otros colores para hacer virados. Por ejemplo en ésta imagen he optado por un valor de RGB= 178, 143, 60, con una opacidad de la capa del 80%.
Hecho ésto es el momento de crear una capa para el enfoque (mediante paso alto o máscara de enfoque) y otra para el grano siguiendo los pasos que vimos antes. Resultado:

Por último vamos a ver cómo se emplea el método del mezclador de canales y cómo podemos usar valores que imiten la estética tonal de diferentes marcas de película. Para ello usaremos como ejemplo ésta otra foto:

Nos vamos a Capa > Nueva capa de ajuste > Mezclador de canales. En la ventana del mezclador marcaremos “monocromo”.
Movemos los deslizadores procurando que la suma de los 3 sea 100. Para ajustar si no suma 100, podemos restar o sumar cambiando el valor del deslizador llamado “constante”, con cuidado porque altera la luminosidad (para bien o para mal).

Mediante éste método es posible reproducir los efectos que tenía usar filtros de colores para el B/N analógico, teniendo en cuenta que para oscurecer o resaltar un color debemos darle más cantidad a su contrario. Por ejemplo, para oscurecer los azules aumentamos el rojo.

También podremos imitar los tonos de los distintos tipos de carrete introduciendo los valores tal como se indican en la siguiente tabla:

MARCA	ROJO	VERDE	AZUL
Agfapan 25	25	39	36
Agfapan 100	21	40	39
Agfapan 200x	18	41	41
Agfapan 400	20	41	39
Ilford Delta 100	21	42	37
Ilford Delta 200	22	42	36
Ilford Delta 400 Pro /3200	31	36	33
Ilford FP4	28	41	31
Ilford HP5	23	37	40
Ilford Pan F	33	36	31
Ilford SFX	36	31	33
Ilford XP2 Super	21	42	37
Kodak T-Max 100	24	37	39
Kodak T-Max 200	27	36	37
Kodak Tri-X 400	25	35	40

Una vez conseguidos los tonos, le daremos los ajustes finales de curvas, enfoque y grano.

Las curvas las ajustaremos muy poco, seleccionando aparte las luces y sombras mediante un duplicado del canal azul que contrastaremos ligeramente usando niveles y cargaremos como selección mediante ctrl+click. Con esta selección normal y luego invertida, crearemos dos capas de ajuste de curvas.

El grano lo añadimos siguiendo el método explicado más arriba, teniendo en cuenta añadir más cantidad a más ISO empleado o si queremos imitar un forzado. Cada tipo de película tenía sus diferencias, si por ejemplo imitamos la Tri-X conviene saber que tiene un granulado fino y tendía a tener una gama de grises amplia. En cambio películas como las Ilford (en especial la Delta 3200) daban imágenes algo más contrastadas y con más grano.

Aquí vemos resultados de imitar estas dos películas, la Tri-X (a la que he dado un acabado contrastando las curvas como si hubiera forzado el revelado) y la Ilford Delta 3200, ambas bastante aptas para conciertos, la primera por su amplia latitud de exposición (tolerancia al error) y la segunda por su ISO rápido:

Detalle imitación Tri-X

Resultado imitación Tri-X

Resultado imitación Delta 3200

Detalle imitación Delta 3200

Siguiendo éstos métodos podremos lograr un acabado casi-analógico en nuestras fotos digitales. Recordad que lo más importante es siempre pararnos a observar la foto concreta que tenemos delante, valorar los tonos y el contraste a la hora de decidirnos por un procedimiento, y prestar mucha atención a lo que hacemos con los ajustes finales de curvas, ajustes por zonas, y añadir el grano de la forma más fiel posible a lo que hubiera salido empleando película en las mismas condiciones de luz.

Ahora, ¡a practicar y disfrutar convirtiendo vuestras propias fotos de conciertos!

Kali.

(Colaboración publicada en la web Focal Rock).

Trabajando aspectos técnicos y artísticos

2008-10-02T03:12:00.008+02:00

"Simon says"

"Daylight passengers (3)"

Durante las últimas semanas he estado centrándome en corregir mis carencias tanto en el terreno técnico como en el artístico.

Por una parte estoy juntando el material necesario para iluminar con flashes comunes, al estilo Strobist. Ya tenía un flash bastante normalito, un Metz de nº guía 36, sin TTL ni nada, y me faltaba otro flash y los accesorios para poder separarlos a mayores distancias: disparadores (también se pueden usar cables, por supuesto, pero opté por lo inalámbrico dado que permite más flexibilidad de trabajo y para exteriores es más cómodo), soportes para flash y paraguas, pies, etc.

Por ahora he recibido ya el conocido disparador wireless de Ebay, el "4-Channel Wireless Flash Trigger V2s" que se vende en Gadget Infinity.

De este disparador os puedo contar que, aunque su acabado es bastante mejorable, el funcionamiento es bueno, sobretodo teniendo en cuenta lo económico que resulta.

Cuando abrí el paquete lo primero que me llamó la atención es precisamente su apariencia frágil. Tanto el receptor como el emisor son plasticosos y apenas pesan. Al abrir el receptor para ponerle la pila (CR2) me encuentro con que no hay un compartimento separado: toda la circuitería está al aire mientras se cambia la pila (los contactos también parecen muy precarios), lo cual no inspira demasiada confianza... Sé que no se puede pedir más por lo que cuestan, pero hubiera sido un buen detalle construir un pequeño compartimento para la pila en lugar de tener que abrir toda la superficie trasera.

Al probar su funcionamiento he comprobado que disparan el flash adecuadamente a varios metros sin problemas, salvo que haya paredes de por medio. Para el día a día disparando retratos en localización, fotos para stock y cosas similares, me sirven perfectamente. Sin embargo, no los aconsejaría para fotógrafos que necesiten disponer flashes muy lejos en posiciones complicadas y con temas de acción rápida, como partidos de baloncesto y similares, ya que no creo que en esas condiciones sean fiables un 100% de las veces. Para eso hay sistemas de radiocontrol mejores (y más caros, por supuesto).

A medida que reciba más artículos os iré comentando algo sobre ello. Mientras tanto, si os interesa el tema de la iluminación con flashes os aconsejo empezar echando un vistazo a los sensacionales tutoriales de Strobist. Es una forma de trabajar con la iluminación algo distinta de la clásica de estudio que aprendimos en la escuela, pero resulta muy eficaz y práctica.

Cosas como aprender a visualizar lo que hará un esquema concreto sin necesidad de usar luces de modelado en ningún momento son de gran ayuda, no sólo para usar cabezas de flash, sino para ser mejor fotógrafo en todos los aspectos.

Precisamente con el uso de flashes tiene que ver mi proyecto más reciente. Estoy trabajando en una serie de fotos que necesitan una iluminación difusa, y he podido empezarlas una vez que tengo los medios para separar el flash de la cámara. La semana que viene estarán terminadas y cuando las publique os mostraré el esquema de iluminación también.

En cuanto a carencias artísticas, llevo tiempo preocupándome por la plástica de mis fotografías: composición, usos de la luz, emocionalidad, uso del color... Si bien tengo ideas para expresar y proyectos en marcha, durante su realización suelo tropezar con aspectos técnicos y visuales que debo mejorar. Esto es bueno, en la fotografía siempre debemos continuar aprendiendo y perfeccionándonos.

Pero hay que tener cuidado de no estancarse, de no tener miedo a probar nuevas estéticas o maneras de hacer las cosas. Mucha gente en el mundo de la fotografía es conocida por tener estéticas muy concretas basadas en los procesados de sus imágenes, procesos realmente complejos en muchos casos o sencillos en otros, pero en mi opinión tienden a encasillarse un poco.

Por mi parte estoy llegando a la conclusión de que quiero evitar eso, quiero que mis fotografías no sigan reglas fijas sobre cómo o cuánto procesarlas. Así cada proyecto o cada tema tendrá una narrativa visual diferente, aunque el estilo obviamente tenga puntos en común en todas.

Otra reflexión que cada día más personas compartimos: nos estamos obsesionando demasiado con la técnica (yo añadiría: y usándola de forma bastante aburrida muchas veces). Tenemos cámaras de cada vez más MP, sale un software nuevo cada pocos meses, hay un sinfín de accesorios disponibles... Y muchas veces nos encontramos con que con toda esa cacharrería hacemos fotos que nos "dicen" menos que aquellas que hacíamos con nuestras primeras cámaras y un montón de apaños caseros. O que una foto de la misma escena queda más expresiva muchas veces con una cámara vieja y barata que con la predecible corrección técnica de nuestras digitales.

Nos obsesionamos con los histogramas, con la nitidez al 100%, con las zonas quemadas y empastadas, con un montón de detalles que es estupendo conocer y saber utilizar, pero que muchas veces nos lleva a tener fotos más aburridas porque las hicimos pensando demasiado en la técnica.

Pues romper las normas no es sólo para la regla de los tercios. Muchas veces lo "imperfecto" hace más bellas las fotografías. El desafío aquí es aprender a darse cuenta de cuándo las técnicas clásicas nos están distrayendo de hacer una buena foto, o cuándo ser demasiado perfeccionistas nos lleva a que nuestras fotos estén muy equilibradas e impecables pero que pierdan algo de su esencia a cambio.

Para refrescar un poco el ojo siempre se aconseja ver la obra de otras personas. Así que os recomendaría echar un vistazo a sitios como Deviant Art, que es una comunidad donde estoy encontrando muchísimo talento, gente con lenguajes creativos originales y sólidos, y muchas fotografías de gran calidad artística. Me encantan las obras de Laflaneuse, con su estética tan acogedora, que es un gran ejemplo de la reflexión que acabo de hacer; los trabajos de Healzo, el misterio de EbruSidar, los retratos de Benoit Paille o de Snjezana Josipovic, y tantos otros que esta entrada sería interminable.

Todo esto me está llevando a experimentar con ideas diferentes, como mis nuevas series Kokyu y Daylight Passengers, que tratan de reflejar el hecho de la existencia en su concepto más puro de sucesión de momentos encadenados. Nada que no nos cuente la sabiduría oriental, pero he querido buscar formas gráficas de plasmar esa esencia.

En los próximos posts seguiré profundizando en reflexiones artísticas, y también tendréis pronto el resto de las fotos del Aste Nagusia y los especiales sobre conciertos.

Aste Nagusia (1)

2008-09-11T13:26:00.003+02:00

(Txoznas)

Este verano una de las citas imprescindibles para mí, tanto a nivel fotográfico como personal, era la semana grande de Bilbo, las fiestas conocidas como Aste Nagusia, que se celebraron del 16 al 24 de agosto.

Puesto que hay bastante material y no quiero escribir un solo post saturado de imágenes, os voy a enseñar lo mejor de las fiestas a lo largo de varios días.

La imagen que abre el post corresponde a una vista general de las txoznas, casetas en las que se sirven bebidas, se pone música, y en algunas también se hacen actuaciones y conciertos. Están abiertas prácticamente todo el día y, por supuesto, durante toda la noche.

La decoración de las txoznas, como iremos viendo, va desde lo simpático a lo reivindicativo, muy acorde con el carácter popular vasco.

Os presento a Mari Jaia, el símbolo y alma del Aste Nagusia. Creada en 1978 por la artista vasca Mari Puri Herrero, sale desde el chupinazo hasta el final de las fiestas para acompañarnos con su sonrisa y sus inagotables ganas de bailar (por algo su nombre significa "María Fiesta").

El himno de las fiestas es también una canción a Mari Jaia, cuando suena en las txoznas nos invade la alegria y cantamos, brindamos y bailamos dejándonos llevar por esta música tan pegadiza: "Marijaia bera, gure Marijaia, Bilbora etorri da, Aste Nagusira"...

Durante la semana hay actividades para todo el mundo y para todas las edades. De día es fácil ver espectáculos y concursos de orientación más familiar, especialmente para el disfrute de los más pequeños.

Estos zancudos desfilaban dispuestos a emplear sus porras de globos de forma contundente sobre quienes se cruzasen a su paso, amenazando con proporcionarnos un montón de risas.

Esta joven china ofrecía un interesante espectáculo de magia para el que requirió colaboración del público. Llevaba un micrófono que distorsionaba su voz en forma de trinos, lo que resultó muy divertido para el público infantil.

Otra de las actividades interesantes de esta mañana fue un concurso de tiro de cuerda, es decir, el famoso juego del pañuelo, en el que competían las comparsas que forman las txoznas.

La gente vasca es conocida por disfrutar con actividades y deportes en los que demuestran su fuerza física, para lo que aprovechan cualquier oportunidad: levantamiento de piedras, aizkolaris que cortan troncos a hachazos, y por supuesto durante las fiestas no podía faltar un concurso de fuerza como éste.

A destacar que en todas las actividades citadas es común encontrarse bastantes chicas que participan compitiendo junto a los chicos en igualdad de condiciones, como veis en esta última foto. Las mujeres vascas no tienen nada del estereotipo de damisela endeble, al contrario, aquí todo el mundo puede desarrollar su potencial físico, sin discriminaciones.

En las próximas entradas os mostraré más aspectos de las fiestas y veremos las mejores actuaciones y conciertos, la diversión nocturna, y también habrá lugar para la reivindicación social, tan presente siempre en el espíritu vasco.

La foto maldita

2008-07-24T01:06:00.007+02:00

"6666"

Tamron 17-50 @ 17mm
ISO 400 - f2.8 - 1/10 s.

Hoy se me ocurrió como experimento fotografiar desde dentro de un ascensor. Quería captar ese momento de tensión cuando las puertas se abren y sabemos que del otro lado surgirá algo terrible... O por lo menos eso es lo que sucede en las peliculas de terror japonesas.

Tomé la fotografía, la comprobé en el lcd y me gustó. Pero al llegar a casa y sentarme a procesarla, aún me esperaba otra sorpresa:

El nombre del fichero RAW creado por mi cámara no era otro que... IMG_6666.

Las 28 del 28-J

2008-07-03T02:08:00.004+02:00

El pasado sábado estuve en la celebración del día del Orgullo Gay en Bilbao. Por supuesto llevé la cámara y tomé algunas fotografías, de las que he hecho una selección que podéis ver en el slideshow que abre el post y también aquí:

Las 28 del 28-J en mi Flickr

El día del Orgullo Gay es una celebración que siento como propia de alguna forma, por pertenecer al colectivo LGBT. Además de ser una fecha reivindicativa, tiene una dimensión creciente de fiesta popular. Más allá del carácter comercial que muchos se empeñan en darle, al Orgullo van una gran cantidad de personas de todo tipo que desean vivir una jornada festiva, alegre, esperanzada y solidaria.

En Bilbao el desfile fué bastante vistoso, con las clásicas carrozas llenas de gente bailando, grupos de los colectivos con pancartas, banderas, globos... Y muchas personas de todas las condiciones y edades alrededor apoyando el desfile. Ésta es una ciudad abierta y gay-friendly, y en este día no podía ser menos.

En un momento del desfile pude subir dentro del autobús de dos pisos y tomar fotografías desde allí.

Fué emocionante y me divertí mucho durante el recorrido, aquello era toda una fiesta rodante, con música y bebidas, y gente de lo mejor:

¿Qué más se le puede pedir a una jornada sacando fotos?

Gracias a tod@s por estar ahí un año más celebrando la igualdad, y por hacer de este día toda una fiesta. Eso sí, ¡no olvidemos sacar nuestra pluma bien orgullos@s durante todo el año!

Kali.

Caminando por el Casco Viejo...

2008-06-24T05:30:00.005+02:00

"Fashionable"
Tamron 17-50 @ 29mm.
ISO 800 - f2.8 - 1/60 s.

Durante estas semanas que he pasado sin actualizar el blog me he dedicado a diversos temas, tanto de índole personal como profesional, que han ocupado buena parte de mi tiempo.

Entre ellos, estoy terminando de seleccionar y procesar las imágenes que formarán mi portfolio profesional de conciertos. He ido a fotografiar varios conciertos de diversos estilos musicales, con vistas tanto a elaborar el portfolio como realizar ventas de las fotografías a los músicos que pudiesen querer copias.

Tendréis muy pronto tutoriales sobre los conciertos en los que trataré de cubrir los aspectos técnicos, así como los más artísticos y comunicativos, dentro de este género fotográfico.

Mientras tanto os dejo con esta escena de una tarde cualquiera en el Casco Viejo de Bilbao, con sus gentes caminando sin prisa mientras se pierden entre el abrazo acogedor de las calles de piedra y las sacudidas eléctricas de las luces de los comercios invitándoles hipnóticamente a hacer sus compras...

B/N con desaturación parcial

2008-05-18T23:44:00.005+02:00

Si en mi post anterior os aconsejaba en cuanto a los aspectos técnicos de fotografiar robados de escenas callejeras, ahora voy a contaros cómo procesé la foto para lograr que sólo la pareja apareciese coloreada. Es un procesado muy sencillo, de nivel básico, y puede que ya lo conozcáis pero lo pongo por si es de utilidad para l@s que empezáis.

Partimos de este RAW:

Aquí he hecho algunos ajustes generales de exposición para darle algo más de luz a la pareja y realzar la escena y he probado con una desaturación en la que mantengo los rojos y verdes pero bajo la saturación de todos los demás tonos. No termina de convencerme, pero dejo el RAW así para terminar de procesarla en Photoshop.

Ahora pasamos a seleccionar a la pareja para tratarla por separado del resto de la escena.

Esta selección podemos conseguirla con distintas herramientas, como por ejemplo el lazo poligonal o la pluma, aunque yo he preferido hacerla mediante máscara rápida (Q) pintando con pinceles suaves de distintos diámetros. Cuando te acostumbras a hacerlo así, se consiguen selecciones suficientemente precisas para muchas fotos, y no lleva tanto trabajo como parece, siendo la principal ventaja la naturalidad del resultado frente a la cortante precisión de la pluma.

En la paleta canales, duplicar la máscara rápida hace que la tengamos disponible para volver a activar la selección con ctrl+click cuando la necesitemos.

Para quitar el color al fondo poniendo a la pareja en color podríamos hacerlo mediante duplicar la imagen, pasarla a B/N por luminosidad del modo Lab o el método que más nos guste, y pegar sobre una nueva capa la selección con la pareja. pero en esta ocasión probé a hacerlo de una forma más directa, con: Imagen > Ajustes > Desaturar. El resultado es el siguiente:

Aplicamos una capa de ajuste de curvas para el fondo:

Una vez que el fondo está contrastado, nos vamos a tratar las curvas en una nueva capa para la selección de la pareja:

Ahora nos queda hacer una nueva capa para el enfoque, en este caso voy a aplicarlo sólo sobre la pareja porque me parece que el resto de la escena ya tiene la nitidez que le va bien. Aplico máscara de enfoque moviendo los valores hasta que veo las letras de la camiseta lo más enfocadas posible sin generar ruido. Previamente además he aprovechado la capa para clonar la mancha blanca sobre el banco, porque distraía bastante.

Hecho esto la foto ya estaría terminada, pero para esta imagen en concreto pensé que le vendría muy bien el acabado que le da el grano para suavizar las imperfecciones y hacerla más natural, así que vamos a añadírselo.

Lo que he hecho es crear una nueva capa y pintarla con gris medio (pinchando en color frontal, veremos casillas con los valores numéricos del color, el gris medio es H:0 S:0 B:50, o también, R:128 G:128 B:128).

Sobre esa capa, me voy a Filtros > Ruido > Añadir ruido, marcando las casillas "monocromático" y "gaussiano" y busco por tanteo un valor que me guste, teniendo en cuenta que es mejor bajarle la opacidad después que generar ruido de menos, para imitar el efecto del grano de carrete, que es regular en toda la superficie de la imagen.

Paso el modo de fusión de la capa a "Superponer" (en inglés, "Overlay"), y busco un valor de opacidad adecuado al efecto del grano para esta imagen (siempre viéndola al 100%, si se ve a tamaños menores se puede aplicar grano de más fácilmente).

Y ya lo tenemos. Lo cierto es que ésta era la primera vez que hacía una desaturación parcial, es un efecto de retoque que se emplea tan a menudo que para mi gusto ya está demasiado visto y en según qué fotos puede ser hasta hortera. Ahora lo hice porque realmente encontré que la foto lo pedía y le iría bien, pero en general recomiendo que este tipo de cosas se hagan con moderación si no queremos acabar con un conjunto de fotos muy vistosas pero estéticamente previsibles, que a la larga cansan y dejan menos a la imaginación.

Claro que es sólo mi consejo, también se puede jugar usando procesados muy típicos con temas poco habituales y darles así una cualidad de lenguaje estético. Las posibilidades son infinitas, disfrutadlas.

Kali

Haciendo robados ("candid shot")

2008-05-18T22:28:00.010+02:00

"Maitasun"

Tamron 17-50 @ 32mm
ISO 400 - f5.6 - 1/500 s.

Otra de las fotos que tomé el viernes, realizada al más puro estilo "candid shot" sin que nadie se diera cuenta. Mientras pasaba por al lado del banco, puse mi cámara de lado, levanté el objetivo y disparé sin mirar por el visor. De otro modo hubiese llamado mucho la atención parándome en mitad de un paseo lleno de gente a ajustar el encuadre para fotografiar a una pareja en un banco, y más teniendo en cuenta que la EOS 30D unida al Tamron no resulta un equipo precisamente discreto.

Hacer fotos robadas es difícil a la hora de controlar un mínimo el encuadre y los ajustes si no miramos por el visor, de modo que siempre nos ocurrirá que fallemos algunas. Pero para tirar con éxito la mayor parte de las veces, es conveniente seguir algunas pautas:

La mejor lente para robados en fotografía de calle será un zoom angular que nos dé distancias cubriendo un rango entre 28-70mm, o incluso una focal fija de 35 o 50 mm (según el factor de ampliación de nuestra cámara). Habrá ocasiones que un tele más largo pueda dar también robados interesantes, aunque en general queda más viva la foto cuanto más cerca estemos de la escena.

La velocidad de obturación debe ser suficientemente alta. Si por norma general hay que disparar a mano por encima del valor de la focal (con un 50mm no tirar por debajo de 1/50) para evitar la trepidación, ahora tendremos en cuenta que estamos disparando sin apoyar la cámara bien y con una sola mano, por lo que hay que tirar a velocidades cercanas a 1/250 s. o más altas para congelar la escena y sobretodo nuestro propio movimiento. Sin embargo, para poder usar estas velocidades obteniendo sujetos iluminados y a la vez conservar profundidad de campo, necesitaremos subir el ISO a 200 o incluso 400 la mayor parte de las veces.

Para encuadrar, con un angular tenemos más posibilidades de no cortar al sujeto si no podemos mirar por el visor. Con un poco de práctica, pillaremos la habilidad de apuntar con el objetivo y tener una idea bastante aproximada de qué encuadre saldrá. Con la cámara a la altura del pecho y un zoom angular podremos hacer robados fácilmente.

En cuanto al enfoque, usaremos un diafragma en torno a f5.6-f8, y podemos, o bien confiar en el autofocus (no siempre irá bien en estos casos), hallar la hiperfocal para la focal y diafragma que estemos usando (difícil o imposible en la mayoría de objetivos modernos sin escala de distancias), o usar el enfoque manual y dejar la lente preenfocada a una distancia en torno a los 3 metros, con lo que sacaríamos enfocados los sujetos desde algo antes de esa distancia hasta unos metros por detrás (según la apertura de diafragma).

Bien, eso en cuanto a la técnica en sí. Por lo demás, en este tipo de fotografía lo más importante es fundirse con el entorno y fotografiar con rapidez para evitar incomodar a la gente. En muchas ocasiones por eso mismo no conseguiremos el encuadre que nos hubiera gustado, pero no es algo necesariamente malo, puede aportar una apariencia más inmediata y natural a la composición.

Hecha la fotografía viene el retoque, así que para no mezclar los temas, en el siguiente post os explico cómo procesarla para lograr este efecto.

Kali

Simplificando los encuadres

2008-05-17T19:56:00.008+02:00

"No vengas"

Tamron 17-50 @ 44mm
ISO 400 - f8 - 1/160 s.

Ayer por la tarde fui a hacer el escaneo de un negativo (tema que en Bilbao parece ser una odisea, habrá un post entero dedicado a eso en breve) y aproveché el camino para tomar fotografías junto a la ría.

Al llevar ya un par de meses por aquí y no ser una ciudad muy grande, podría parecer que el casco viejo, la ría, las calles principales, ya están muy explotadas o dan poco de sí.

Sin embargo, para mí es un reto seguir sacando fotos en los mismos sitios y que no me aburran, puesto que no quiero que me vuelva a pasar como antes de estudiar fotografía, cuando vivía en mi ciudad natal. Al ser una ciudad pequeña y conocerla de toda la vida, para mí pronto perdió encanto fotográfico, lo cual sumado a mis carencias técnicas y mi falta de entrenamiento visual, hizo que se ralentizase mi avance por aquel entonces.

Entre las cosas que pueden darle nueva vida a un lugar conocido está la experimentación con los encuadres, diferentes profundidades de campo, cambiar de ópticas, buscar las horas de luz idóneas o los días con el cielo más interesante, pararse en el lugar a esperar que ocurra alguna escena cotidiana interesante al alcance de nuestra cámara, jugar con procesados diferentes, etc...

En este caso he tratado de obtener una imagen reducida a los elementos más esenciales, casi abstracta, pero a la vez etérea y con un cierto misterio. En determinados temas, la simplificación de lo que incluimos en el encuadre potenciará mucho más la fuerza visual de la escena, tal como se dice "todo lo que no suma, resta".

Tomé varias fotografías de estas escaleras, y a medida que las veía en pantalla, me fue quedando claro que tenía que probar otra cosa, de modo que puse el zoom en su extremo más "tele" para lograr un aplanamiento de las perspectivas de la imagen.

El resto no tiene mucho truco, un tratamiento básico en raw desaturando todo menos el verde del musgo y haciendo ajustes de luminosidad generales, y un tratamiento en Photoshop donde he aplicado curvas y enfoque a las escaleras por un lado, y algún ajuste de curvas en el agua por otro. Para seleccionar ambas zonas lo hice mediante el método de la máscara escondida en el canal más contrastado.

Sobre el tema de encontrar nuevas perspectivas de sitios conocidos, os recomiendo leer este excelente artículo (en inglés) del blog "Tao of Photography". El blog al completo es un gran sitio para aprender y reflexionar sobre la fotografía y se está convirtiendo en uno de mis favoritos, no os lo perdáis.

Y cuando salgáis a la búsqueda de vuestras fotos, tened cuidado no sea que os pase como a mí, que por intentar bajar unas escaleras muy parecidas a las de la foto para tomar un encuadre cercano de las piedras y el agua, acabé resbalando con el barrillo y cayendo de culo... Me podía haber caído a la ría y arruinar el equipo, o lesionarme, pero por suerte se ha quedado en un gran culazo que me dolerá unos días. Estas son las cosas que pasan cuando se pierde la cabeza por la fotografía...

Kali

Experimentos caseros

2008-05-09T02:14:00.004+02:00

"Cocción"

Tamron 17-50@23mm
ISO 800 - f8 - 1 s.

Entre todos los ejercicios que hice en clase durante mi etapa en Barcelona, uno que me gustó especialmente trataba la temática de lo cotidiano.

Fijarse en los objetos que te rodean en casa, en las calles que recorres a diario, en escenas que ocurren a tu lado y que normalmente no verías como algo excepcional, y tratar de convertirlo en la expresión de un sentimiento, es todo un desafío y un reto creativo con muchas posibilidades artísticas.

Algo así he intentado con la fotografía que hoy abre el post. Una escena cotidiana tratada mediante la técnica de realizar una exposición suficientemente larga (probando por tanteo en valores próximos a 1 s.) durante la que se gira el zoom del objetivo para crear un movimiento.

Partimos de esta imagen en RAW:

Tocamos a nuestro gusto el balance de blancos. En este caso, al bajarle la temperatura, consigo además corregir las luces quemadas que tenía la foto en el canal rojo.

Hechos unos ajustes generales, desaturamos desde el propio RAW para obtener un blanco y negro con suficientes medios tonos para trabajarlo en Photoshop, así:

Lo primero que he hecho es una capa de ajuste de curvas (Capa > Nueva capa de ajuste > Curvas) para realzar el contraste general de la escena.

Para el contraste por zonas, he realizado una selección con degradado mediante máscara rápida (Q) de modo que los retoques que haga afecten más a la mitad izquierda de la foto, pues es donde quiero más contraste y enfoque, pero que se difumine el efecto con naturalidad hacia la mitad de la foto.

Seleccionado esto y dentro del modo máscara, me he ido a la pestaña de Canales para duplicar la máscara de modo que quede guardada y pueda volver a cargar la misma selección más adelante. Guardar las máscaras es especialmente útil para volver un día sobre la misma foto y no tener que hacerle las selecciones otra vez.

Ahora aplicamos una nueva capa de ajuste de curvas en la zona deseada.

Para finalizar, duplico la capa del fondo, cargo la selección con ctrl+click en la máscara, y aplico el enfoque. En este caso mediante el filtro de máscara de enfoque.

Os animo a probar distintas combinaciones de técnica y postproceso a la hora de hacer fotografías de temas cotidianos (también vale para otros temas), las posibilidades son infinitas.

Kali

Una tarde en el parque

2008-05-08T00:18:00.004+02:00

"Mad world"
Tamron 17-50 @ 50mm
ISO 100 - f2.8 - 1/800 s.

En la vida de toda persona que pretende hacer fotografía hay épocas en las que miras tu trabajo y te parece que falta un "algo". Si además se está empezando, las dudas en cuanto a las capacidades expresivas de nuestra obra se disparan.

Llevo meses entrando y saliendo de ese tipo de fase, dándole vueltas a las carencias de mis imágenes, tratando de encontrar inspiración en múltiples cosas. Leo sobre diversos temas, escucho música variada, paseo, pienso, miro la obra de otr@s artistas (no solo fotografía, también pintura y cine) y hago todo esto para tener la mente nutrida y en forma, cosa que es importante para tener estados creativos.

También es útil ponerse tareas (y disfrutarlas), así que el otro día, sencillamente, hice lo que hubiera hecho en mis comienzos. Una tarde paseando en el parque con la cámara, sin ideas previas de lo que quería, tan sólo hacer alguna fotografía interesante con lo que hubiera.

Y ya veis el resultado. Una escena apacible y un blanco y negro ajustando las curvas por zonas, sin más pretensión que detener un momento de una hermosa tarde en el parque.

Kali

Votaciones abiertas en "El Desafío Canon"

2008-05-07T16:35:00.001+02:00

Copio la nota de prensa del concurso:

Madrid, 06 de Mayo de 2008.- Ya puedes votar por tus fotografías favoritas en "El Desafío Canon", por que tú defines a los ganadores del Concurso Fotográfico en el que participan aficionados de 18 países de Europa.

El periodo de votación comienza el 05 de mayo del 2008. No dejes pasar la oportunidad y visita www.canon.es/eldesafio para emitir tu voto.

De los votos de los usuarios saldrán las diez mejores fotografías por cada Categoría y País, que se clasificarán para el periodo de selección del Jurado.

El periodo de selección del Jurado comenzará el 19 de mayo de 2008 y finalizará el 25 del mismo mes. Se valorará la originalidad, composición meditada, elemento narrativo, exposición limpia y nítida, y que la imagen sea algo único que establezca una relación emocional y capte un momento que revele algo especial.

Todas las fotografías serán revisadas por fotógrafos de renombre encabezados por Vicki Couchman, reconocida fotógrafa de publicaciones tan prestigiosas como The Sunday Times Culture, Style, The Independent, The Observer, Rolling Stone y Loaded.

Si eres el máximo ganador del concurso podrás vivir tu propio desafío al lado de un fotógrafo de renombre o, si eres uno de los premiados en una de las cuatro categorías: paisaje, retrato, macro y deporte, podrás hacerte con uno de los equipos fotográficos Canon EOS valorado en 2000 €.

Mucha suerte a tod@s!

Kali

Publicidad, manipulación y valores éticos

2008-04-30T23:29:00.007+02:00

Hay un tipo de fotografía que personalmente he elegido que nunca haré, y es fotografía con propósitos publicitarios.

Las razones principales tienen que ver con mis ideas anticapitalistas, principalmente. No me sentiría coherente haciendo fotografías para marketing de marcas o empresas si considero que la sociedad debería funcionar de forma libre y altruista, no basada en considerar a las personas como compradores.

Precisamente este último aspecto es lo que hace que la publicidad esté planificada al milímetro para manipular psicológicamente, sea de forma más explícita o bien sutil, subliminal. Y esta manipulación nunca es neutra, muchas veces sirve para que empresas que mantienen prácticas dañinas intenten lavar su imagen, o para reflejar valores sociales que llevan a distintas formas de discriminación. Con todo eso se causa mucho daño y se crea un mundo frío y cínico donde importa más el marketing que la honradez, los sentimientos o la libertad individual.

Una muestra de esto es la publicidad de corte sexista. Tod@s hemos visto ejemplos de este tipo de imágenes, en las que se fomenta una imagen de mujer-objeto. Hace poco me encontré un ejemplo de esto al comprar un Mp4 (un "Bluesense" de los baratitos) en el que venían algunas imágenes de muestra, entre otras, éstas:

(Aclaración: ninguna de estas fotografías ha sido tomada por mí)

Para cualquiera que sepa leer un poco entre líneas, creo que está clara la lectura de estas imágenes...

La fotografía, al detener para siempre un trozo de la realidad, implica también una cierta responsabilidad de l@s fotógrafos y, sobretodo, de quienes emplean las fotos, en cuanto a publicarlas de formas que no presenten una visión del mundo sesgada ni, sobretodo, degraden a personas o colectivos.

La publicidad es éso, es frialdad, maquiavelismo, y falta de escrúpulos en cuánto a los daños éticos que provoca promover como algo bueno una vision del mundo como la de este ejemplo.

Desde luego, yo me alegro de no haber sido quien realizase esta ofensiva sesión de fotos.

Kali

Mi foto en "El Desafío Canon"

2008-04-25T21:09:00.003+02:00

Quería contaros que he presentado al Desafío Canon una de mis fotografías en la categoría de retratos, en concreto la titulada "Horror", que posteé aquí.

Podéis verla en:

http://ta.canon-europe.com/?pg=gallery&cc=es&lc=es&photo_id=foto480fc02a08b07

Por si alguien considerase que podría merecer un voto, os comento que el período de votaciones es del 5 al 19 de mayo.

Kali

Procesado de terror para nuestros retratos

2008-04-22T18:50:00.008+02:00

"Horror"
Tamron 17-50@47mm
ISO 800 - f2.8 - 1/60s.

En algunas ocasiones nos puede ocurrir que estamos haciendo una sesión de retratos y sacamos fotos que no parecen muy "académicas" pero que captan un momento expresivo. También puede ser que nos atraiga de primeras tomar una foto de un lugar porque instintivamente algo nos gusta, pero luego al ver la foto "en frío" encontramos que no tiene esa "magia" que buscábamos y que necesitaría un toque distinto.

Eso me sucedió a mí con la fotografía que encabeza el post de hoy. Estaba haciendo una sesión de retratos improvisada mientras tomaba unas cervezas, y obtuve originalmente esta toma:

Como se puede apreciar, la imagen original ya tenía una iluminación dura bastante eficaz, pero la pose pierde fuerza con el tono cálido de la bombilla.

De modo que buscamos un efecto mucho más agresivo. La mejor manera de sacar este tipo de efectos es a base de tantear para cada foto unos valores de curvas apropiados, más dramáticos y contrastados, y también jugar con los ajustes de color del raw: moviendo los deslizadores de "hue" (tono) para cambiar los matices de los colores, y los de luminosidad y saturación para darle a un color más peso visual en la escena o restárselo.

Los ajustes más importantes hechos a este RAW son los referentes al color. He enfriado el balance de blancos, tanto la temperatura como el tono, hasta obtener un tono de piel de "zombie" que le va bien a la imagen.

Logrado el color de base, he ajustado el tono de los rojos hasta darles un aspecto que destacase sobre la piel y pegase bien con la imagen, resaltándolo mediante aumentar la saturación y bajar levemente la luminosidad. Los valores exactos variarán en función de cómo sea cada foto en particular.

Un leve ajuste de curvas contrasta un poco más la fotografía, dejándola lista para trabajarla por zonas en Photoshop.

Aquí lo que hice fue realizar una máscara rapida (pulsando Q, o click en el icono que hay debajo de los de "color frontal" y "color de fondo" en la barra de herramientas) en la que pinté la zona de la cara con un pincel blando, desenfoqué la máscara con gaussiano, pasé a modo normal otra vez (Q), invertí la selección resultante, y con ella hice una capa de ajuste de curvas para contrastar las luces sólo en la zona de la cara sin afectar al fondo.

Al contrastar la cara, observamos que también hemos intensificado el dramatismo de los colores, lo que a esta imagen en concreto le favorece.

El enfoque final lo he aplicado mediante un duplicado de la capa a la que aplico el filtro de paso alto. Para esta foto el valor necesario no era muy alto, menos de 4px, y la opacidad de la capa queda mejor en un valor bajo.

Y listo, aquí tenemos un retrato mucho más cinematográfico que la foto original, de una forma rápida y sencilla.

Kali

Primeras pruebas del Tamron 17-50mm f2.8

2008-04-14T00:53:00.004+02:00

Podría haber hecho un artículo con la típica prueba de un objetivo, tomando una misma fotografía con trípode, bodegón cuidadosamente planeado, varias aperturas de diafragma, etc... Pero cuando lo tuve en la cámara, lo que me apetecía era sencillamente salir a probarlo en situaciones reales.

Así que en este post no encontraréis un gran análisis al detalle, tan sólo imágenes que cuentan por sí solas cómo tener la combinación de buena óptica y buena luz puede ayudarnos a expresar mejor nuestra visión:

Tamron 17-50mm @ 37mm
ISO 100 - f7.1 - 1/500 s.

Tamron 17-50mm @ 24mm
ISO 125 - f2.8 - 1/125 s.

Tamron 17-50mm @ 50mm
ISO 200 - f8 - 1/60 s.

Todas estas fotos han sido tomadas en RAW y tras el revelado, las he contrastado por zonas mediante máscaras rápidas y capas de ajuste de curvas. Como técnica de enfoque, he comenzado a experimentar mediante la técnica de filtro paso alto, que se hace así:

Sobre la capa destinada al enfoque, aplicamos el filtro: Filtros > Otros > Paso alto (high pass) con un valor aproximado de radio 10 px.
Pasamos el modo de fusión de capa a "Luz dura" (hard light).
Bajamos la opacidad de la capa a unos valores entre 15-80%. Dependerá de cada foto elegir un valor determinado, lo mejor para apreciarlo es subir casi al 100% y empezar a bajar lentamente, para quedarnos en el punto en que hace el máximo enfoque posible sin que empiece a estropear la foto.

La principal ventaja de esta técnica es que afecta sólo a las líneas, con lo que no nos crea el ruido que puede resultar al aplicar máscara de enfoque en zonas con medios tonos y superficies planas. Elegir una u otra dependerá de cada foto en concreto y de nuestro gusto particular.

Kali

Comprando objetivos en Andorra: Tamron 17-50mm f2.8 Di II (segunda parte)

2008-04-14T00:01:00.002+02:00

Tras realizar el pedido de mi objetivo el pasado miércoles, os cuento qué tal ha llegado.

El jueves por la tarde, sobre las siete, recibí un correo de Precios de Andorra con el número de pedido y nombre de la empresa de mensajería, por si deseaba realizar un seguimiento del envío, con la sugerencia de mandarles un mail cuando hubiera llegado para confirmar que todo estaba bien. Con semejante cuidado por los detalles, da gusto comprar por Internet.

Sin embargo no me fue necesario hacer ningún seguimiento, el viernes antes de las 9 a.m ya tenía al mensajero en la puerta con mi pedido.

Tras confirmar que todo estaba en orden y enviar el correspondiente mail, durante este fin de semana ya he realizado algunas pruebas de la lente.

Me encanta sobretodo la increíble calidad óptica que proporciona para ser un zoom tan barato, la suavidad con la que transiciona los desenfoques, y la riqueza tonal y nitidez que se aprecian.

Aquí os pongo, para que os hagáis idea, un recorte al 100%. El RAW está revelado con ajustes de curvas generales, pero está sin enfocar:

Canon EOS 30D
Tamron 17-50mm @ 50mm
ISO 200 - F8 - 1/60 s.

Tendré ocasión en próximos días de probarlo fotografiando algún concierto, con lo que espero poder mostraros qué tal rinde sobre el terreno.

Kali

Comprando objetivos en Andorra: Tamron 17-50mm f2.8 Di II

2008-04-09T21:24:00.003+02:00

Habiendo elegido ya qué objetivos quería para fotografiar conciertos y otros eventos sólo me quedaba la cuestión de dónde comprarlos.

En principio prefería la opción de poder verlos físicamente, pero en el caso de éste Tamron en concreto me dijeron en FNAC que no lo tenían "dado de alta", con lo que ni siquiera podían traérmelo esperando varias semanas. Cosa que me extrañó porque sí que venden otras lentes de la misma marca.

Por otra parte, es sabido que en tiendas de China y Hong-Kong los precios son bastante más bajos, pero no quería arriesgarme a que mi pedido se viera retenido en la aduana y tuviera que acabar pagando bastante por ese concepto.

De modo que decidí probar la opción de comprarlos a alguna de las tiendas de Andorra que ofrecen material fotográfico a muy buenos precios y con garantía española original.

Entre éstas tienen muy buena fama en la profesión Fotocinecolor y Precios de Andorra, si bien en la primera no distribuyen la marca Tamron.

De modo que he hecho mi pedido en Precios de Andorra, había leído en los foros muy buenos comentarios acerca de la seriedad de Jonathan a la hora de cumplir con los pedidos e informar rápidamente del estado de los mismos.

Mi experiencia hasta ahora está siendo buenísima:

Cuando aún dudaba un poco entre lentes (mi primera idea era el Tamron 28-75 f2.8), al llamar al servicio de atención al cliente para informarme de su disponibilidad, Jonathan me preguntó qué uso iba a darle, y me recomendó el 17-50mm para que no se me quedase corta de angular, opinión que después corroboré por otras fuentes también.
Ayer, a las 17:53 p.m les envié un mail con mi solicitud de pedido. A las 18:25 recibo respuesta donde además me indican tres precios alternativos, sólo la lente, o la lente más filtro UV Hoya en acabado normal o "Coated". También desglosados los gastos de envío más el seguro de transporte hasta mi casa.
Hoy al mediodía realizo el ingreso en cuenta del importe. Elegí el Tamron (345€) más el filtro Hoya UV 67mm Coated (24€). Sumados gastos de envío (20€) y seguro (5€) hacen un total de 394€.
A primera hora de la tarde envío el mail con el comprobante del banco escaneado, teniendo respuesta muy pronto, a las 17:08, donde se me confirma el pedido y se me dice que lo tendré en casa este viernes por la mañana (son incluso menos de 48 horas).

Sólo me queda esperar al viernes para comprobar la puntualidad y el estado del envío, pero lo que estoy viendo hasta ahora es un trato eficiente, serio, con los detalles bien cuidados y unos precios estupendos.

En los próximos días, si todo sale según lo esperado, haré pruebas "in situ" de este objetivo y os las enseñaré.

Kali

Escogiendo objetivos para fotografiar conciertos

2008-04-09T18:49:00.004+02:00

A la hora de elegir lentes adecuadas para la fotografía de conciertos lo primero es tener en cuenta las exigencias técnicas que nos supone fotografiar un evento así, pues las características de iluminación sumadas al movimiento de los músicos hacen que tengamos muy poco margen de maniobra.

Para el caso de conciertos en bares y salas pequeñas o medianas, nos encontraremos en la mayoría de los casos que la sala está bastante oscura y la iluminación sobre el escenario no tiene mucha potencia, con lo que si llevamos un objetivo poco luminoso el fotómetro nos dirá, incluso a ISO 800 o 1600, que no podemos tirar a velocidades más rapidas que 1/8, 1/15, o quizá 1/30 como mucho.

Por lo tanto ahí tenemos la primera exigencia clara para un objetivo destinado a conciertos. Necesitamos una velocidad que permita capturar a los músicos relativamente quietos, y con la que no nos salgan las fotos movidas, lo cual, dependiendo de la distancia focal utilizada y de cuánto se muevan en la escena, nos llevará a tener que conseguir unos valores de obturación que oscilen en torno a 1/80, 1/125 o más bajos aún. Para esto no nos sirve simplemente que el objetivo o la cámara cuenten con estabilizador, puesto que el estabilizador disminuye el efecto de nuestro movimiento, pero no ayuda a congelar el motivo fotografiado.

Lo mejor, aunque un monopié puede ser de ayuda en algunos casos, es contar con una óptica luminosa, es decir, que el diafragma pueda abrirse hasta, al menos, f2.8.

Sería deseable también que la lente, si es un zoom, mantenga el f2.8 en toda su focal, para evitar situaciones en las que podamos perder primeros planos porque nos salgan movidos al cambiar a f4.5 o f5.6 en el extremo más tele.

Teniendo claro este punto, la cuestión importante viene ahora, ¿qué lente o lentes elegir?

Necesitaremos cubrir un rango focal que, como mínimo, nos permita sacar desde el escenario entero con un mínimo de detalle en escena hasta un buen plano medio (y mejor aún primeros planos) de cada músico. Teniendo en cuenta que en conciertos pequeños y medianos estaremos relativamente cerca del escenario, tendremos que trabajar con focales que abarquen desde angular a pequeño tele.

Para los conciertos tipo festival o macroconcierto (que se suelen cubrir con acreditación) ya estarán indicadas ópticas largas, un 70-200mm. o similar.

En mi caso, teniendo claro el tema de la luminosidad, aún dudaba entre varias lentes y marcas a la hora de elegir la combinación idónea, por lo que recurrí al foro Ojo Digital, donde he encontrado consejos que me han ayudado mucho a tener la seguridad de que iba a comprar lo que necesitaba. Las comunidades online de fotografía y asociaciones de fotógrafos son una gran ayuda, pues hablar entre compañer@s es la mejor forma de aprender de su experiencia.

Esto lo recomiendo especialmente a la hora de decidirse a adquirir nuevas lentes, pues suelen ser caras y lo mejor es conocer de antemano opiniones de personas que las hayan probado para el tipo de fotografía concreto que vamos a hacer. No es lo mismo emplear una lente para paisaje que para deportes o espectáculos, puesto que las exigencias de luminosidad y velocidad de enfoque serán cruciales en estos casos, y no todos los modelos de objetivos responden igual.

Mi elección para cubrir el rango de focales que necesitaba (teniendo en cuenta que la EOS 30D tiene un factor de recorte del sensor de 1.6x) ha sido comprar dos lentes:

Tamron 17-50mm f2.8 Di-II (27-80mm para la 30D). Aquí podeis ver un test de este objetivo. Otra opción en un rango de precio similar sería el Sigma 18-50mm f2.8 EX, que, por lo que podemos ver en este test, está a la par de calidad con el Tamron. El Sigma 24-70mm f2.8 EX DG MACRO lo descarté porque en bastantes opiniones se dice que está falto de nitidez con diafragmas abiertos, cosa que salta a la vista en esta comparativa. Sin embargo las opiniones que he consultado apuntan a que el Tamron tiene una nitidez bastante utilizable incluso a f2.8, así que compraré este.
Sigma 70-200mm f2.8 EX DG APO MACRO HSM (112-320mm para la 30D). Una gran lente para conciertos, sociales y retratos. Al ser DG podremos usarla con cámaras analógicas o de sensor "full-frame". Además es apocromática (reduce aberraciones cromáticas) y cuenta con motor de enfoque interno de alta velocidad (ver crítica y opiniones aquí). Y por si fuera poco es más barata que un Canon 70-200 f2.8 L dándonos un rendimiento más que aceptable en comparación.

Existen más opciones, y por supuesto, más caras, pero yo con estas dos tengo lo que necesito y que entra dentro de lo que puedo llegar a pagar, de forma que las considero idóneas para empezar a ofrecer fotografías de conciertos. Puesto que me resultarán muy útiles para tener cubierto bastante rango con buena calidad óptica, también son una buena inversión para el resto de tipos de fotografía que pueda hacer.

Aquí tenéis más información sobre cómo hacer buena fotografía de conciertos:

La guía definitiva para hacer fotografias en conciertos

Fotografía de conciertos

Focal Rock

Aunque en próximos post también os contaré las mejores técnicas y trucos, con ejemplos en detalle, para que podáis obtener grandes imágenes en este tipo de fotografía tan específico y difícil.

Kali

Concurso on-line Argazklik sobre roles de género

2008-04-07T01:02:00.000+02:00

El portal cultural Nontzeberri pone en marcha el concurso on-line de fotografía Argazklik, que invita a realizar una reflexión acerca de los roles de género y el sexismo. Cito desde sus bases el propósito del concurso:

La primera Edición del concurso de Fotografía Argazklik.com quiere reflexionar sobre los roles que tenemos, que inventamos, que nos han sido impuestos, es decir, sobre la construcción y reglamentación del género. De ahí el nombre del certamen que dibuja un panorama de roles rodando, saltando, moviéndose, retorciéndose. Se trata de mostrar nuevas alternativas reales o ideales, nuevas masculinidades, feminidades u opciones intermedias. Jugar con “el género”, con nuestros roles, darles la vuelta, inventar otras posibilidades o destacar y escenificar las existentes.
También destacar las relaciones de poder que se construyen entre los roles que asumimos
como naturales.

Se pide presentar series compuestas por tres fotografías "relacionadas entre sí, buscando o no una narratividad", con un máximo de tres series por participante. Las fotografías deben enviarse a la web del concurso, en JPG a 72ppp. y 800x600 px. (ver las bases del concurso para más información).

El plazo para presentar las obras es hasta el día 21 de mayo de 2008 a las 13:00 pm (hora local).

Si os animáis a participar, encontraréis más información en la web del concurso. Las bases están disponibles para descarga dentro de la misma.

Por mi parte, las he consultado, y ya estoy dándole vueltas al material para presentar... Además de ser una temática de la que ya tengo material realizado (que estoy ampliando actualmente), he visto que es uno de los pocos concursos que tienen en sus bases unos términos de derechos de imagen que me resultan aceptables.

El acuerdo de cesión de derechos de reproducción no excluye que se pueda seguir publicándolas o vendiéndolas, y es vigente durante un período de algo más de un año, pudiendo finalizarse del todo llegado ese plazo si no se quiere que sigan usando las fotos.

Unas condiciones bastante buenas teniendo en cuenta lo que impera en la mayoría de concursos de hoy, que acaban por ser tan sólo una tapadera para reunir con mucha jeta un gran archivo fotográfico prácticamente gratis (incluso contando los premios, sale mucho más barato que pagar por ese mismo número de fotos a profesionales).

A tod@s l@s que participéis, ¡mucha suerte!

Kali

El desafío Canon

2008-03-31T23:41:00.000+02:00

Hoy me han remitido por email, desde el gabinete de comunicación con los blogueros de "El desafío Canon", la nota de prensa con los datos del concurso.

Puesto que puede ser de interés para quienes uséis, como yo, equipo Canon, os pongo aquí la información:

Esta abierto el plazo para subir fotografías en www.canon.es/eldesafio

Publica hoy tus fotos para afrontar

El Desafío Canon

· Visita www.canon.es/eldesafio y participa en el concurso de fotografía europeo de Canon EOS

· Podrás ganar un magnífico equipo Canon EOS valorado en 2000 €

· Además, podrás viajar a Viena para hacer fotografías a un partido de la Euro UEFA 2008 y participarás en esta ciudad en “El Desafío” final a nivel europeo

· Si eres el máximo ganador podrás vivir tu propio desafío junto a un fotógrafo de renombre

Madrid, 31 de marzo de 2008.- Ya queremos ver las fotos con las que participarás en El Desafío Canon, el concurso en el que podrás ganar un magnífico equipo Canon EOS valorado en 2000€ y hasta podrás viajar a Viena a fotografiar un partido de la Copa Euro UEFA 2008 y para participar en la fase final del certamen.

Visita la página web www.canon.es/eldesafio para inscribirte, si aún no lo has hecho, sube hoy tus mejores fotos en alguna de las cuatro categorías del concurso: retrato, paisaje, deportes y macro. Cada una ofrece un magnífico equipo fotográfico Canon EOS con un valor de 2000 € para el ganador de cada país.

Los ganadores por categoría de los 18 países participantes se enfrentarán entre sí, y sólo los dos primeros clasificados por categoría viajarán a Viena para hacer fotografías un partido de la Copa Euro UEFA 2008 y competirán por el puesto de ganador final de cada categoría.

El ganador absoluto de las cuatro categorías se enfrentará al desafío de su vida, junto a un fotógrafo de renombre. ¿Serás tú?

El Desafío Canon es un concurso en el que los apasionados a la fotografía de 18 países europeos podrán mostrar sus mejores imágenes antes los ojos de todo el mundo, y sobre todo serán revisadas por un jurado de reconocido prestigio liderado por Vicki Couchman, reconocida fotógrafa de publicaciones tan prestigiosas como The Sunday Times Culture, Style, The Independent, The Observer, Rolling Stone y Loaded.

Os recomiendo, como con cualquier otro concurso, echar un vistazo a los Términos y condiciones del desafío, sobretodo lo referido a los derechos de imagen.

¡Buena suerte a l@s participantes!

Kali

Puntos de vista diferentes y B/N

2008-03-28T15:17:00.002+01:00

En estos días estoy ocupándome de distintas tareas, entre las más importantes y urgentes están la elaboración de mi lista de tarifas y la elección de un buen objetivo para fotografiar conciertos.

Ambos temas me están trayendo bastantes quebraderos de cabeza, y, por supuesto, ampliaré información sobre ellos en los próximos días.

Mientras tanto, estoy procesando en distintas formas parte del material que he ido tomando últimamente, con el fin de reunir material para uno de los proyectos en B/N digital que estoy preparando ahora con vistas a exponerlo próximamente.

Si algo destaca de las posibilidades creativas del B/N es precisamente que nos presenta la realidad de forma "menos real", formando una abstracción en gama de grises de algo que nuestros ojos están acostumbrados a ver y entender tan sólo en color. Disociar la visión del color nos deja ante una realidad más desnuda, reducida a la esencia del ser.

Es por esto que un buen número de artistas han elegido plasmar sus imágenes en B/N, y lo siguen eligiendo incluso aunque trabajen en formato digital.

No os descubro nada nuevo, además, si os digo que el procesado del B/N en Photoshop, aunque parezca "perder la magia" con respecto al viejo laboratorio (en cierta forma es así) facilita lograr en mucho menos tiempo unos resultados visualmente eficaces, y con posibilidad de controlar de forma muy precisa lo que hacemos.

Pero, independientemente del medio técnico a emplear para procesarlas, no perdamos de vista lo importante: qué queremos transmitir con nuestras fotos. Es fácil empezar a obsesionarse con detalles técnicos a tal punto que un día nos encontremos con que nuestras fotos empiezan a parecer todas muy correctas, pero les falta el punto de emoción y expresividad que antes siempre buscábamos, cuando sencillamente mirábamos y sentíamos, pero no nos preocupaba tanto ser perfeccionistas en la técnica.

Cuando llega ese día, es cuando te dicen que es hora de empezar a "olvidarse" de la técnica y comenzar otra vez a mirar, sentir, y disparar. Que nos preocupe tan sólo observar el encuadre hasta llegar a ese momento en que nos invade esa pequeña corazonada que nos dice "dispara ahora, ésta es LA foto".

Hacer ésto cobra más interés aún cuando ya has adquirido un cierto entrenamiento visual. Todo lo aprendido sobre encuadres y recursos visuales, sobre figuración y abstracción, líneas, el equilibrio entre sugerir y mostrar, etc, ha formado un poso en la mente. A partir de este punto, sabes que éso está ahí, a veces lo pensarás conscientemente, a veces saldrá sin darte cuenta y lo verás al examinar tus fotos para procesarlas, y otras veces partirás del planteamiento de emplear un recurso, y después, además, sentirás "la foto" mientras buscas el encuadre.

Este último es el caso de la fotografía que posteo hoy. Partí de la búsqueda consciente de una imagen diferente, quería hacer una foto del Guggenheim que no fuera "una foto del Guggenheim", que no fuera el punto de vista que todo el mundo espera ver de este museo.

Mientras la buscaba, me iba planteando el pequeño reto creativo que llevo tiempo imponiéndome, lograr unas fotos más "misteriosas" en las que sugiera más que muestre.

Para todo ésto, la búsqueda de puntos de vista diferentes es uno de los mejores recursos creativos a nuestro alcance. Nos facilita dar con encuadres que muestren la realidad de formas que sorprendan o intriguen, y mientras nos tomamos el tiempo de buscar la foto desde el visor, aparecen visiones diferentes de los detalles que nos permiten aumentar la originalidad y belleza formal de nuestras tomas.

Una vez que empecé a estudiar el Guggenheim a través de mi visor, encontré esta toma y supe en el momento que era mi foto: un punto de vista inusual y una selección del encuadre que convertía los elementos del edificio en una abstracta cascada metálica que, sin embargo, parece tener una singular vida propia.

Preparé la exposición para que desde un principio me diera un histograma suave, con suficiente detalle en los tonos medios y sin llegar a quemar el cielo, para poder contrastarlo después mediante curvas. Midiendo en ambas zonas encontré que con una exposición de f2.8 - 1/80 conseguía bien ambos propósitos.

Elegí el f2.8 porque un diafragma abierto facilita la entrada rápida de suficiente luz, con lo que además de lograr mejor detalle en zonas medias, podría seleccionar una velocidad de 1/80 y tirar a mano. Emplear el trípode con éste encuadre me habría resultado bastante engorroso, y ya bastante fugaz es la luz a primeras horas de la mañana.

Hecha la foto, viene el momento del procesado:

El método que he elegido para convertir a B/N la foto ha sido el que recomienda Mellado en su libro, hacerlo desde el revelado del RAW en Camera Raw. Simplemente quitarle la saturación por completo nos proporciona un punto de partida con una buena gama de grises, sin afectar en nada la calidad del archivo.

Hacerlo así también facilita realizar los ajustes de exposición y curvas pensando en el B/N desde el principio. Desde el Camera Raw el objetivo es generar un TIFF en el que resaltemos la imagen todo lo posible con unas pocas correciones, pero que cuente con la calidad necesaria para su posterior retoque en Photoshop, donde trabajaremos el acabado final del B/N de acuerdo a lo que la foto necesite.

Como véis, en el procesado del RAW apenas he hecho más que añadirle medio punto de exposición para mejorar la percepción del detalle, usar la herramienta "Recovery" para recuperar zonas demasiado blancas del cielo, y tocar las curvas para resaltarlas lo más posible de forma global, sin entrar en detalles.

El trabajo gordo viene ahora en el PS. He empleado el mismo procedimiento que en mi post anterior, buscar la máscara "escondida" en los canales de la imagen. Con esa máscara, invirtiéndola, he sacado dos máscaras para cargar la selección bien del cielo, bien del edificio.

Con desenfoque Gaussiano en ambas máscaras, más el uso del comando Selección -> Modificar -> Expandir, he cuidado que no se aprecien transiciones bruscas entre el retoque del cielo y el borde del edificio. Un ligero clareo cerca del borde puede simular el efecto que quedaba antiguamente en el laboratorio moviendo máscaras de cartón, pero debe ser lo bastante suave para que no quede "raro".

Teniendo las máscaras adecuadas a la imagen, las he empleado como forma de cargar las selecciones y hacer dos capas de ajuste de curvas. Aplicarlo en forma de capa de ajuste me permite volver al retoque siempre que quiera y con toda precisión, puesto que en retoques así siempre conviene guardar el PSD además del TIFF original y el TIFF ya procesado.

Aquí pongo un detalle más del proceso. Para que el acabado de la máscara de curvas sea suficientemente suave, la he pintado de forma en que "me equivoco" ligeramente hacia dentro.

Tras terminar de retocar el borde de esta forma, es cuando he empleado tanto el Gaussiano como la ligera expansión de la selección, para que la transición del retoque sea visualmente natural.

Este es el resultado final del retoque en PS. No he empleado máscara de enfoque en esta ocasión, pues añadía una textura final que consideré que afeaba el resultado, y la imagen ya muestra suficiente acutancia (sensación de nítidez) con el contraste añadido por las curvas. A veces es bueno valorar cuándo una imagen en concreto, por su tratamiento, realmente no "pide" más nitidez y ya resulta agradable al ojo así, puesto que en digital tendemos a obsesionarnos por lograr una nitidez que en los tiempos del analógico nos habría parecido antinatural.

Igualmente, al generar una copia a resolución web, he creído que también funcionaba bien tal como estaba, que hacer algo más quizá hubiera empezado a estropearla.

Guardar la foto con su espacio de color RGB completo, me facilita en un futuro retocar a partir de ahí para crear diferentes versiones de B/N con un toque de color, de la forma más sencilla y con la máxima calidad.

Así, como vemos, con una pequeña planificación desde el momento de la toma y buscando la mayor sencillez posible en el retoque, obtendremos imágenes con las que recrear la magia del B/N de siempre.

Kali

Haciendo una foto urbana nocturna

2008-03-21T09:22:00.001+01:00

Una de las cosas que estoy haciendo en estos días es tomar fotografías interesantes o representativas de la ciudad de Bilbao, con la finalidad de obtener algunas que tengan suficiente calidad para propósitos de venta y exposición.

Puesto que, para ambas cosas, sobretodo si tengo intención de ampliar a tamaños grandes (por ejemplo, 50x70 cm o superiores) necesito una imagen de gran calidad y resolución, esto condiciona desde el principio cómo llevaré a cabo el proceso.

El pasado sábado me propuse salir a hacer fotografías nocturnas. Las mejores horas para hacerlo no son aquellas de noche cerrada, sino las que van aproximadamente una hora antes del amanecer o una hora después del anochecer, cuando hay una leve claridad en el cielo pero aún se aprecia el paisaje nocturno de la ciudad. Esta mezcla de luces tiende a producir los resultados más espectaculares y será más sencillo conseguir fotografías con bastante detalle y menos ruido.

Por tanto, consulté la hora exacta de salida del sol, que en Bilbao estaba prevista para las 7:23 AM, y salí de casa con tiempo suficiente para estar desde algo más de media hora antes en torno al museo Guggenheim, puesto que me interesaba el paisaje de la ría y también este edificio en concreto.

Este tiempo "extra" lo empleé en observar la luz paseando por la zona, buscando encuadres que me gustasen. Al decidir qué foto quería tomar, lo que hice fué seguir estos pasos:

Una vez elegido todo lo que entraría en el encuadre, medí las luces tanto en zonas claras, medias, y sombras, con el modo de medición de la cámara ajustado en "puntual", lo que me dió idea de la exposición media necesaria.

Hecha la medición, coloqué la cámara en el trípode, ajusté su posición hasta tener el encuadre exacto que quería, y situé la exposición en F 11 (para una óptima profundidad de campo, que suele lograrse en los diafragmas intermedios de los objetivos) y velocidad de obturación 20 seg (modo Manual), ISO 100. Y en formato RAW, por ser lo que permite mayor calidad y flexibilidad de procesado.

Realicé el enfoque en modo manual, por resultar más cómodo desde el trípode que con autofocus, y para tener más precisión en el control de la profundidad de campo.

Por supuesto, una exposición larga requiere mucho cuidado con cualquier vibración. Utilicé el disparador retardado y además activé desde el menú de la cámara la función personalizada de bloqueo de espejo, con lo que levanta el espejo antes de hacer la toma y no durante el disparo, lo cual reduce las posibles vibraciones internas. Para rizar el rizo, puesto que mi trípode es un Jessop de los ligeritos y tenía la carretera justo detrás, estuve pendiente de que durante el tiempo de exposición no estuvieran pasando camiones, autobuses, ni demasiados coches, en cuyo caso habría repetido la foto.

La foto está tomada a las 7:02 AM, al clarear del alba, y ésta fue la mejor exposición de entre varios disparos. Cuando se trata de motivos estáticos, es buena idea sacar unas cuantas, y además, invertir unos minutos extra en probar otros encuadres, cambiar de objetivo para tener otra distancia focal, experimentar con los valores de exposición, etc.

Nunca se sabe si mañana (o la semana que viene...) te gustarán más esas fotos que hoy no pensabas que merecía la pena hacer, en vez de la que tú creías mejor.

Hecha la foto, y en especial tratándose del RAW, viene la tarea de selección y procesado:

A la hora de elegir entre los 3 disparos que realicé del mismo encuadre (aunque con distintas velocidades de obturación), me he fijado en cúal tenía mayor cantidad de detalle en todos los tonos, claros, medios, y oscuros. Ésto se hace desde el Bridge o similares, haciendo zoom sobre una zona que contenga buena gama de tonos y contornos:

Vemos que la que cuenta con mayor detalle en todas las zonas es la más clarita (con mayor tiempo de exposición), de forma que elegiremos ésta. Aquí se aprecian bien las ventajas de disparar intentando que el histograma sea amplio y se acerque lo más posible a la derecha sin llegar a quemar las luces (ver este excelente artículo de Guillermo Luijk). Luego en el revelado del RAW y el procesado ya la contrastaremos al gusto, pero es mejor partir de una foto bien iluminada aunque parezca "plana" al principio.

Aquí tendríamos la foto "en crudo", tal como la obtuvo la cámara. Aún le falta algo de viveza, contraste, y el balance de blancos está tal como lo toma la cámara en automático (siempre lo pongo así cuando tiro en RAW porque suele sacarlo bastante bien, y luego sólo tengo que darle unos toques a mi gusto).

Como veis, empleo Camera Raw de Adobe, se integra con Bridge (la "caja de luz") y con el Photoshop CS, de modo que el proceso entero se hace del tirón y más sencillo, además de ser un programa de revelado de RAW muy bueno.

Éste sería el final del revelado. Retoqué balance de blancos hasta equilibrar los tonos, después un poco más de exposición, usé la opción "recovery" para que los destellos de las luces se definieran más (recupera algo de las zonas más "quemadas"), y ajusté de forma general las curvas, así como sutiles cambios en la saturación y luminosidad de amarillos y magentas.

De esta forma la preparo para los últimos toques en Photoshop, que incluyeron:

Quitar la grúa de la derecha del edificio. Como quiero que la foto conserve buen detalle en ampliaciones grandes y el fondo era complicado, usé el tampón de clonar de forma cuidadosa, con mucho zoom y cambiando constantemente de tamaño de pincel según la zona a tratar.

Contrastar aisladamente sólo el cielo. Para hacer una selección tan fina del edificio de forma rápida y perfecta, usé el "truco" que recomienda el libro "Fotografía digital de alta calidad" de José María Mellado, que consiste en emplear como máscara "escondida" el canal más contrastado, en este caso el azul. Para hacerlo:

En la paleta de canales, arrastrar el canal azul hasta el símbolo de "nuevo canal", lo que nos crea el canal "azul copia".

Sobre esta copia, aplicar "niveles" hasta contrastar bastante sin perder detalle en los bordes.

Con un pincel de tamaño adecuado, opacidad 100%, color negro y modo "Overlay" (Superponer) vamos pintando todo el edificio, que esta vez es la parte que no queremos afectar con el retoque. Podemos usar distintos tonos de gris para crear zonas de transición en las que el efecto que apliquemos se note, pero menos. Si luego queremos retocar sólo el edificio sin tocar el cielo, siempre estaremos a tiempo de invertir la selección.

Cuando tenemos la máscara que queremos, cargamos la selección con Ctrl+click en el canal, ahora podremos aplicar el retoque deseado (en este caso Curvas) al cielo y al reflejo del agua, para contrastarlos más.

Hecho todo ésto, creamos otra capa llamada máscara de enfoque, y aplicamos la máscara correspondiente. Para el tamaño original de la foto (3504x2336 pixeles) y en esta imagen en concreto, le venían bien dos pasadas, una a 150-1,0-1, y un pequeño "plus" de 50-1,0-1. No es estrictamente necesario hacerlo en dos pasadas, pero esta vez preferí hacerlo así para observar mejor el efecto y valorar si iba "pidiendo" más.

Por último, guardé el PSD (recomendable cuando se han hecho máscaras o retoques elaborados, para partir desde ahí en futuras modificaciones), una copia en TIFF (que luego servirá, tras algún último toque, para imprenta), y redimensioné también para web. Se suele recomendar dar nuevamente máscara de enfoque tras redimensionar, pero en esta foto no lo ví necesario.

Realmente no me complico demasiado la vida a la hora de retocar, procuro hacer bien la toma desde un principio, y luego hago unos ajustes bastante básicos en los que me baso más en cómo me parece que queda "a ojo". Cuando se coge cierta práctica observando las fotos, se hace más fácil apreciar el punto exacto de los ajustes que necesita cada imagen.

Y en general siempre os recomiendo eso, entrenar el ojo y procurar emplear el Photoshop de la forma más sencilla posible, para la mayoría de imágenes suele ser más que suficiente hacer ajustes generales básicos y en todo caso, algún ajuste por zonas, que ya veremos detenidamente más formas de hacerlos.

De momento espero que estos consejos os ayuden a estar más satisfechos de vuestras fotos nocturnas.

Kali

Y ahora ¿qué?

2008-03-14T08:28:00.000+01:00

Ésa es la gran pregunta cuando ya se tiene el título en el bolsillo pero aún no hay nada claro sobre el futuro.

Habrá quien aconseje tomar decisiones pensando en qué campos de la fotografía profesional puede darnos más dinero, pero a la larga, si eliges sólo por esto pasarte la vida haciendo un tipo de fotos que no te dan ninguna satisfacción, ninguna cantidad de dinero compensará por haber dejado atrás tus sueños.

Dentro de los tipos de fotografía que se pueden hacer, a grandes rasgos, distinguiríamos:

Artística: fotografías de calidad, presentadas en acabados y soportes bien cuidados, y que expresan tu visión de la realidad de forma única, personal. Este tipo de fotografía "de autor" tiene salida a través de galerías, que llevarán los asuntos referidos a exponer y vender tu obra, con condiciones que variarán según el sitio. También puedes gestionarte tu propia obra buscando lugares donde exponerla: determinados cafés y restaurantes, centros cívicos y culturales, asociaciones de temáticas afines a las de tus fotos, etc. Y otra posibilidad, cada día más en alza, la difusión a través de Internet, con tu propia galería de fotos on-line y venta de copias "fine art". Con creatividad y valentía se llega a todo, pregunta allá donde veas paredes vacías; están esperando tus maravillosas imágenes.

Medios de comunicación: aquí incluiríamos muchos tipos de fotografía: de viajes, reportaje, actualidad, retratos de personajes públicos y artistas... Son una buena parte de las fotos que verás en prensa y revistas, y tienen en común su dificultad para hacerse un hueco. En el caso de la prensa diaria tendrás que conseguir acreditación por parte de agencias de noticias (tipo Europa Press, Efe, o la grande de las grandes, Magnum), o, para otros casos, recibir el encargo de un viaje, tema, etc, o venderlo a las editoriales una vez hecho. Sin acreditación en muchos casos no conseguirás ni acceder a los eventos, ni que se interesen en las fotos "a posteriori". Para introducirte aquí no te precipites, practica mucho hasta que consigas una familiaridad total con tu equipo (pues no podrás permitirte fallar la foto), sal a la calle a fotografiar la acción (manifestaciones, desfiles, eventos varios), prepara un portfolio con tus mejores reportajes (dedicaré un post a ellos en breve), o tus mejores fotos de viajes, o de conciertos, retratos, etc, según corresponda para el trabajo que quieres conseguir. Una vez que lo tengas completo, dedícate a dar la matraca en las editoriales y agencias, sigue presentándoles nuevos materiales, la constancia y la insistencia te irán abriendo puertas poco a poco.

Social BBC (ésa no, jejeje, se trata de Bodas, Bautizos y Comuniones): la fotografía más demandada por la gente "de a pie", ganarás bastante a cambio de pasarte las temporadas "fuertes" de primavera y verano trabajando a ritmo intensivo, y dedicar mucho tiempo al trabajo no menos agotador de procesado, retoques, preparación de álbumes... Es una fotografía que tiene sus desafíos en cuanto a rapidez y creatividad, donde es importante tener una mente ágil e imaginativa que cubra bien la técnica pero que sepa hacer de cada evento algo único (lo cual es difícil para este tipo de fotografías). Y lo más importante de todo, debes tener suficiente equipamiento para que nada pueda fallar, es buena idea llevar por lo menos dos cámaras, con todo lo necesario para no quedarse sin flash o cámara en ningún momento. Hacer éste tipo de encargos es una responsabilidad enorme hacia unas personas a las que puedes echar a perder sus recuerdos por un fallo técnico o humano. Por este motivo es común hacer las bodas entre dos fotógrafos. Comienza a reunir un portfolio de bodas sacando unas pocas en alguna boda a la que te inviten (sin estorbar al profesional contratado) o intenta ir de ayudante con fotografos con experiencia. Cuando tengas la seguridad de poder cubrir bien un evento, podrás comenzar los pasos para promocionar tus servicios.

Social "de calle": la "street photography" de toda la vida. Si tocas esta faceta, podrás darle salida, según la foto concreta, mediante los pasos aplicables o bien a la fotografía en medios de comunicación o a la obra artística. Prueba haciendo pequeños (o grandes) proyectos, series, con los que te centres en áreas concretas de interés sobre el paisaje urbano, sus gentes, su evolución... De ahí resultará más fácil dar forma a reportajes o series que capten interés del público.

Retratos: para éste tipo de fotografía ayuda mucho disponer de un estudio, bien sea alquilado por horas, o montando un pequeño espacio por tu cuenta (también hablaremos de éso con detalle). Puedes ofrecer retratos de familia (parejas, niños, embarazos, etc), las típicas fotos de carné, ofrecer books a actores, actrices, cantantes, grupos musicales, modelos... Los books son en sí mismos toda una especialidad y, puesto que me propongo hacerlos, también lo explicaré en detalle en próximas entradas. Puedes mostrar tu creatividad retratando a gente muy diversa con estilos visuales originales, el límite aquí es tu imaginación.

Publicitaria: fotos de producto, desde pequeños objetos que podrás fotografiar con técnicas de bodegón básico, a fotos de coches, modelos, etc, para grandes marcas. Aquí lo que cuenta es tener un ojo bien entrenado en habilidades relacionadas con el color, la composición, la luz, y todos los aspectos más técnicos en general. Si te decides por ésta, empápate de conocimientos técnicos muy precisos y prepárate para gastar dinero en equipo: las altas calidades que se requieren precisan muchas veces del uso de medios y grandes formatos para colocarse en una situación realmente competitiva dentro del sector. Puesto que en mi caso no es un campo que quiera tocar, aquí no veremos mucho sobre ello, pero es de aplicación todo lo que puedas aprender sobre realización de bodegones (de éso si explicaré algunas cosas).

Stock: las agencias de stock fotográfico venden derechos de uso de las fotos (no éstas en sí) que suelen ser compradas por diseñadores web, o utilizadas como foto genérica para ilustrar un artículo de una revista, por ejemplo. Cada vez que alguien compra el uso de tu foto, te llevas un porcentaje, por lo que con una fotografía puedes estar generando mucho dinero si se vende muchas veces. Hay distintas agencias de stock (Shutterstock, Getty Images, Age fotostock, Alamy) con distintas condiciones y exigencias de calidades. Algunas son exclusivas y otras te permiten enviar la misma foto a más agencias. Es una forma de ganar dinero que va extendiéndose entre profesionales por su sencillez y comodidad. Muchas fotos las podrás hacer incluso en tu casa, con objetos comunes e iluminación sencilla, o en tus paseos por la ciudad. Requiere de mucha constancia, pues sólo se empieza a ganar bastante cuando se mandan muchas fotos a más de una agencia, pero una vez hecho ésto, se puede sacar el equivalente a un sueldo decente. Ampliaré información también cuando lo pruebe.

Es posible que me deje alguna, pero en general éstas serían las maneras más conocidas de ganarse la vida disparando una cámara.

Para elegir una (o unas pocas) entre ellas, es necesario observar con qué disfrutamos más. Si amas la aventura y no soportas quedarte entre cuatro paredes, sería muy duro dedicarse a fotografiar bodegones publicitarios o stock. Si te gusta el trato con la gente, quizá se te darán mejor los retratos, BBC, o eventos. Si eres una persona calmada, meticulosa, que trabaja mejor sin demasiadas prisas, estarás mejor en trabajo de estudio que haciendo fotografía de deportes o reportaje de prensa.

Analízate, medítalo bien, y piensa en tí detrás de la cámara, cómo sueles trabajar, qué temas sientes que debes inmortalizar, tu filosofía como persona y como artista.

Cuando sepas lo que quieres hacer, haz fotos, examínalas hasta que alcancen el promedio de calidad que se exija en el mercado para ese tipo de imágenes y comiences a forjarte un estilo más definido (cosa que se obtiene practicando), y, cuando sean buenas, muévelas allá donde te interese abrirte camino.

Mucho ánimo en tus intentos, persevera y ¡suerte!

Kali

Presentación

2008-03-14T03:42:00.000+01:00

Aunque ya escribo un blog de carácter más personal, filosófico y variopinto, en éste proyecto paralelo quiero hacer una crónica de los pasos que vaya siguiendo para conseguir mi mayor meta en éstos momentos: que la fotografía sea mi modo de ganarme el sustento.

También postearé fotografías que saque en mi día a día, pequeños trozos de realidad que quedan fuera de mi web pero que no por eso son peores, sólo que les corresponden sitios diferentes. Y otros contenidos de utilidad, según vaya surgiendo.

Empecé a conocer la fotografía hace bastantes años ya, al principio fué una actividad extraescolar de instituto, que presentó ante mí el blanco y negro como una forma de expresar la realidad. En aquel momento de mi vida aún no hice grandes progresos, pero la semilla estaba plantada.

Durante unos pocos años después de aquello fui terminando el instituto, teniendo diversos trabajillos precarios, viviendo la vida, y entre medias fueron aumentando mis ganas de formarme en la fotografía para tener un medio de comunicarme artísticamente.

Así que, después de decidirme a profundizar en el tema, adquirí una digital bastante básica de 3.2Mp, y al cabo de un tiempo, una Canon EOS 300X analógica, con las que realizaría mis primeros avances y proyectos.

Ése sería mi primer consejo, da igual que sea una cámara mecánica antigua (mis primeros intentos fueron con una Zenit y una Yashica Fx-3) o una digital básica de las baratas, empieza a tomar fotos con lo que tengas. Con medios básicos se pueden conseguir grandes fotografías si se aprovechan con creatividad sus características técnicas.

Tras realizar la serie de autorretratos "Just me?" que expuse en el festival internacional Queeruption 2005 en Barcelona (y que escanearé para mi web en cuanto pueda), me dispuse a completar una formación profesional en fotografía.

Y entonces llegué a Fotoespai, una academia de fotografía de Barcelona de la que enseguida supe que era la adecuada para mí: precios asequibles (era, y aún sigue siendo, de las más económicas de la Península) y un profesor experimentado, con toda una vida como fotógrafo que le avala y ojos que muestran en su mirada un hábito permanente de observar y la experiencia que eso conlleva.

Ya terminé allí mis años de estudios, y ahora me he transladado de ciudad hasta Bilbao, donde tengo por delante el desafío de ganarme la vida haciendo fotos. Os iré contando con más detalle cómo es el proceso de preparación para lograrlo.

Espero que aquí podáis encontrar consejos que os sean de utilidad, ya sea la fotografía vuestra profesión o vuestra afición.

Kali